Sesión doble con la presencia de la cineasta Programa realizado por la Asociación Lumière Gracias a la invitación y organización de Birdie Num Num

Programa: - Schweigend ins Gespräch vertieft (Ute Aurand, 1980, 10’, 16mm.) - Umweg (Ute Aurand & Ulrike Pfeiffer, 1982, 12', 16mm.) - Detel + Jón (Ute Aurand, 1988/1993, 33', 16mm.) - Oh! Die Vier Jahreszeiten (Ute Aurand & Ulrike Pfeiffer, 1986/1988, 20', 16mm.)

Pausa

- Bärbel und Charly (Ute Aurand, 1994, 35', 16mm.) - Am Meer (Ute Aurand, 1995, 3', 16mm.) - Sakura, Sakura (Ute Aurand, 2015, 2'5, 16mm.) - Four Diamonds (Ute Aurand, 2016, 4', 16mm.)

Sesión 1

- Schweigend ins Gespräch vertieft (Ute Aurand, 1980, 10’, 16mm, Blanco y negro y color, sonido óptico) Schweigend ins Gespräch vertieft es la primera película que hice en 16mm y tiene algo de lo que suelen poseer tan a menudo las primeras películas, un valor especial, a veces involuntario, resultado del desconocimiento de las leyes del cine, cuando una se deja llevar simplemente por su necesidad de intentar hacer la película. Ute Aurand.

«La primera película de Aurand, Schweigend ins Gespräch vertieft, establece la base íntima de su estilo, si bien crea una considerable interioridad que desaparece en su jubilatoria obra anterior. Desde el propio título del comienzo, una tarjeta que se gira para que podamos leerla, la película trata sobre espejos y reflejos. El personaje principal sale por la puerta principal mira su reflejo en un charco en la calle. El entorno revela constantemente su mirada subjetiva. Sus sombras y reflejos aparecen en los adoquines, en el capó de un coche, en los espejos, en un aluminio hecho pedazos y en un charco que va desapareciendo frente a nuestros ojos. En esta película increíblemente directa, la cineasta realiza una serie de posibles permutaciones de estos momentos reflexivos, buscando verse de forma más clara a medida que se nos revela a nuestra vista. La impresionante escena central, filmada en una piscina, sitúa esa doble fisicidad en el cuerpo del otro. Una nadadora desnuda, que en un primer momento nada justo por debajo de la superficie del agua –encontrando su reflejo arriba, en lugar de abajo– se encuentra con otra nadadora que reemplaza ese reflejo con su propio cuerpo. La dolorosa distancia del espejo queda reemplazada por las caricias físicas de la proximidad, reforzadas por una hermosa coreografía submarina y táctil. La superficie del agua se convierte en la superficie de la piel. Tras ese primer momento de fantasía, volvemos a la protagonista absoluta, de nuevo sola con sus pensamientos. Nos damos cuenta de que se trata de un reflejo en la ventana de un tren, oscurecido por un túnel, dejando paso al paisaje exterior, que corre a toda velocidad. En el último momento de la película, la mujer se pone de pie y abre la ventana, mirando más allá de su reflejo en dirección a la ciudad que pase delante de sus ojos. Este gesto sugiere el reconocimiento de un mundo situado más allá del individuo. En efecto, es un momento clave para la propia artista. La mujer que absorbe la vista de aquello que pasa velozmente por la ventana prefigura ese ojo lleno de inquietud que marcará de una manera tan activa el envolvente estilo visual de Aurand». - Chris Kennedy. In Present Tense. The Films of Ute Aurand.

- Umweg (Ute Aurand & Ulrike Pfeiffer, 1982, 16mm, 12’, Blanco y negro y color, sonido óptico) Un viaje en tren. Ver desde la ventana de un tren es como mirar una pantalla; el paisaje se convierte en un estado de ánimo; el estado de ánimo, en un paisaje. Ute Aurand y Ulrike Pfeiffer organizaron la gira «Nuevas películas realizadas por mujeres de Berlín», y filmaron el viaje mientras se desplazaban por esos ocho cines de ochos ciudades alemanas. Ute Aurand.

«Umweg es una película autónoma, y se respira en ella una atmósfera muy intensa, algo que no suele ser común cuando se abordan temas como éste. Se puede ver todos los días en las fotos, mientras que aquí encontramos la composición y el montaje de una experiencia, de un estado de ánimo vivido, compartido. (…) El espectador ve las cosas y experimenta las imágenes que anteriormente se había negado a apreciar, a percibir. Para mí este es uno de los derechos fundamentales del cine de vanguardia o experimental, la redención que, en este caso, pasa por el convencimiento». Ingo Petzke, cineasta. Medium, nº6, 1983.

- Detel + Jón (Ute Aurand, 1988/1993, 16mm, 33’, Color, Sonido magnético) Detel + Jón es un retrato realizado durante un periodo de cinco años, en los que filmé a mi hermana Detel Aurand y a Jón Sigurgeirsson en Berlín e Islandia, donde vivían entonces. Ute Aurand.

«Una vez leí en un texto: Un condamné à mort s'est échappé es la única película posible sobre el amor. Detel + Jón es la única película que hace visible la felicidad». - Maria Lang, cineasta.

- Oh! Die Vier Jahreszeiten (Ute Aurand & Ulrike Pfeiffer, 1986/1988, 16mm, 20’, Color, Sonido óptico) Esta película está interpretada por las propias Ute Aurand y Ulrike Pfeiffer, que se filman la una a la otra en varios lugares conocidos de Europa: Aurand camina por la nieve vestida con un traje de verano frente al Reichstag en Berlín; da vueltas en el aire a un niño una y otra vez en la Plaza Roja de Moscú; Pfeiffer se mete en un caluroso día de verano en una fuente en la Place de la Concorde en París; y ambas se disfrazan de ángeles y caminan por la noche londinense. La película comienza con un texto sobre la improvisación de Jonas Mekas, leído por él mismo. Ute Aurand.

«Oh! Die Vier Jahreszeiten está codirigida por Ute Aurand y Ulrike Pfeiffer; es un filme que marca un giro en la carrera de Aurand. Inspirada por He Stands in a Desert Counting the Seconds of his Life, de Jonas Mekas, la película comienza con el siguiente texto sobre la improvisación, escrito y leído por Mekas: «La improvisación es, lo repito, la mayor forma de concentración, de conciencia, de conocimiento intuitivo –cuando la imaginación empieza a rechazar las estructuras mentales preestablecidas, artificiales, y se dirigen directamente a las profundidades de la materia–. Este es el verdadero sentido de la improvisación, pero no es un método en absoluto. Más bien es un estado de ánimo necesario para cualquier tipo de inspiración en la creación. Es una capacidad que todo verdadero artista deberá desarrollar de manera constante, atendiendo a su enorme vida interior y cultivando, sí, los sentidos». Después de esta película, Aurand empezó a desarrollar una forma de película diarística diferente. Hasta ese momento, se había sentido cercana a las películas que mostraban una gran subjetividad, pero al acabar esta película se compró una cámara Bolex y una mesa de montaje e hizo Detel + Jón, su primera película de retratos. Como explica Aurand: “la forma diarística desarrolla un diálogo interior con mi entorno más fuerte, una conversación visual silente. La fuente de inspiración es mi vida cotidiana, esa fuente que nunca se detiene y que se ofrece a todo el mundo. Es una gran alegría y un gran reto transformar mi diálogo interior con la vida en una película». - María Palacios Cruz. «Ute Aurand: Here and Now». 2014.

«Los dos movimientos de las mujeres y sus actuaciones determinan el punto de vista, y la cámara, por así decirlo, se deja llevar por sus movimientos. Debemos abrirnos a esta forma de percepción, pues de otro modo no podríamos seguir ese rápido montaje, esos saltos de las imágenes y esos encuadres asimétricos. Pero no sólo es un juego, sino que la película posee también una serie de implicaciones políticas: esas dos mujeres cineastas no inventan nuevos espacios para sí mismas, sino que utilizan los espacios de cuatro plazas, impregnadas por un significado heteropatriarcal para llevar a cabo sus propios propósitos, cambiando la función que cumplen gracias a su presencia. Juegan así con las posibilidades que esos espacios públicos les ofrecen, y, sobre todo, juegan con la técnica del cine. A través de la fragmentación, de los jump-cuts, de las múltiples capas de imágenes, presentan esos espacios públicos de diferente forma, al tiempo que los convierten en teatros políticos, que se suponen que será visto por un público respetuoso. Rechazando este punto de vista habitual, rechazan a ese omnipresente hombre anónimo, así como los gestos de sumisión. Las cineastas se oponen a ello su propia puesta en escena, hecha a la medida de sus propios cuerpos y de sus movimientos, y de este modo, conquistan esos espacios públicos colocándose a sí mismas en el centro». - Marion Kranen. Blaue Wunder, Neue Filme und Videos von Frauen 1984-1994.

Pausa

Sesión 2 - Bärbel und Charly (Ute Aurand, 1994, 16mm, 35’, Color, Sonido óptico.) Esta película es un retrato de Bärbel Freund y Charly Heil, y funciona como los versos cantados de una canción; las localizaciones se eligieron pensando en los estados de ánimo y las estaciones: la primera, la nieve, Venecia, el apartamento, estar solos, estar juntos. Ute Aurand.

«Bärbel und Charly es un retrato de unos compañeros de la cineasta, que va desde una recreación de Singing in the Rain a la excitación causada ante las proyecciones en el cine de Berlín Babylon, en Kreuzberg». - George Clark. Notas para el programa «To Be Here: The Films of Ute Aurand». Tate Modern, 2014.

- Am Meer (Ute Aurand. 1995. 16mm. 3’ Color. Sonido óptico) En la banda sonora, escuchamos al cineasta japonés Utako Koguchi, tocando el piano y cantando, mientras que las imágenes, montadas en cámara, nos muestran un paseo por la isla de Hiddensee. Am Meer forma parte de la antología Kleine Blumen, kleine Blätter, con películas de Jón Sigurgeiersson, Angelika Levi, Franz von Lucke, Renate Sami, Detel Aurand, Ulrike Pfeiffer, Bärbel Freund, Karl Heil, Yael Bedarshi, Susan Turcot y Ute Aurand. Ute Aurand.

«El ritmo de las películas de Aurand combina la naturaleza fugaz de la mirada con la idea de la caméra-stylo. Am Meer es un ejemplo sublime del cine rítmico de Aurand. Para Robert Beavers, “más parecido a una canción, la película de Aurand aprovecha el momento. Reúne las imágenes de su paseo por la naturaleza de Hiddensee y el sonido de una visita a unos amigos en una casa que no vemos. La textura y el sentido de los diferentes espacios visuales y acústicos nos ayudan a compartir este momento. La cámara rítmica nos lleva, como si fuéramos mecidos por la música». - María Palacios Cruz. «Ute Aurand: Here and Now». 2014.

- Sakura, Sakura (Ute Aurand, 2015, 16mm, 2,5’, Color, Sonido óptico) Sakura, Sakura es una película de dos minutos sobre dos mujeres japonesas muy diferentes: una se dedica a las manualidades, mientras canta una canción sobre Sakura (que es la flor del cerezo); la otra, mientras tanto, se limita a mirar a cámara. Ute Aurand.

«Sakura, Sakura consiste en la extracción de un evocador fragmento del archivo de la antigua película de Aurand Junge Kiefern (2010)». - Haden Guest. Harvard Film Archive.

- Four Diamonds (Ute Aurand, 2016, 16mm, 4’, Color, Sonido óptico.) Dos recuerdos de una visita más amplia a New England, en otoño de 2012: un grupo de señoras juegan al bridge, tras lo cual vemos la tormentosa costa de Cape Cod, en el invierno de 2012, mientras escuchamos una actuación musical de Etienne Grenier. Ute Aurand.

Entrada en taquilla con cerveza incluida: 10 euros Entrada anticipada con cerveza incluida: 8 euros (Disponibles aquí, NO es necesario estar registrado en PayPal* * Con el apoyo de Moritz.